À l’occasion de la sortie en salles de “A serious man”, un retour sur la filmographie des frères Coen s’impose. Leur cinéma, reconnaissable entre mille, se caractérise par un humour noir omniprésent, un regard ironique sur la condition humaine et un profond désenchantement. Chaque film est un hommage vibrant au cinéma hollywoodien de l’âge d’or, peuplé de personnages inoubliables, souvent dépassés par des événements qu’ils ne maîtrisent pas. Le duo de réalisateurs a su créer un univers unique, oscillant sans cesse entre le drame glaçant et la comédie absurde, marquant de son empreinte l’histoire du cinéma contemporain.
L’héritage de “Fargo” : un thriller décalé
Considéré par beaucoup comme l’un de leurs sommets, “Fargo” est une œuvre qui cristallise parfaitement le style Coen. Ce thriller, qui se déroule dans les paysages glacés du Minnesota, mélange avec une maestria déconcertante la violence sèche et un humour pince-sans-rire. L’histoire d’un vendeur de voitures endetté qui organise le faux enlèvement de sa femme tourne rapidement au bain de sang, mais le film ne se départit jamais de son ton singulier, presque burlesque.
Une intrigue glaçante et absurde
La force de “Fargo” réside dans son scénario, d’une précision chirurgicale. Chaque engrenage de l’intrigue s’emboîte parfaitement, menant les personnages vers une issue inéluctable et tragique. Les réalisateurs jouent avec les codes du thriller pour mieux les dynamiter. La violence, bien que présente et brutale, est souvent désamorcée par des dialogues absurdes ou des situations cocasses. C’est cette rupture de ton permanente qui donne au film sa saveur si particulière et son atmosphère unique, où le malaise côtoie le rire.
Le portrait d’une héroïne atypique
Au cœur de ce chaos, le film introduit un personnage devenu mémorable : une femme-flic, enceinte jusqu’aux yeux, dont le bon sens et la placidité contrastent violemment avec la bêtise et la cupidité des criminels qu’elle poursuit. L’interprétation de l’actrice principale, toute en subtilité et en humanité, a d’ailleurs été largement saluée. Ce personnage positif et profondément attachant apporte une lueur d’espoir dans un monde dépeint comme absurde et cruel, et reste l’une des plus belles créations de la filmographie des cinéastes.
Si “Fargo” a marqué les esprits par son approche singulière du thriller enneigé, les frères Coen avaient déjà démontré leur amour pour les histoires de gangsters et les atmosphères sombres quelques années auparavant, avec un film d’une tout autre ambition stylistique.
Miller’s crossing” : l’art du film noir revisité
Avant “Fargo”, il y eut “Miller’s crossing”. Ce film est un pur exercice de style, un hommage appuyé et virtuose aux films de gangsters des années 1930 et 1940. Les cinéastes y déploient une mise en scène d’une élégance rare et un scénario d’une complexité redoutable, où les trahisons et les alliances se font et se défont au gré des intérêts de chacun. C’est une œuvre exigeante qui unit le drame, l’humour noir et une violence stylisée.
Un scénario en forme de labyrinthe
L’intrigue de “Miller’s crossing” est un véritable puzzle. Elle suit le bras droit d’un parrain de la pègre irlandaise pendant la Prohibition, naviguant entre deux gangs rivaux. Les dialogues, ciselés et percutants, sont au cœur du récit. Chaque réplique a son importance, chaque mot peut être une arme ou une sentence. Le spectateur est invité à se perdre dans ce dédale de manipulations, où la loyauté est une notion toute relative. C’est un film qui demande une attention de tous les instants, mais qui récompense par sa richesse et son intelligence.
Une esthétique sophistiquée
Visuellement, le film est un chef-d’œuvre. La reconstitution d’époque est minutieuse, des costumes aux décors. La photographie sublime les ambiances feutrées des speakeasies et la solitude des personnages. Les réalisateurs multiplient les prouesses techniques, avec des mouvements de caméra amples et une composition de chaque plan qui relève de l’orfèvrerie. La célèbre scène de la forêt, où un personnage doit être exécuté, est un modèle de mise en scène, un moment de cinéma pur qui reste gravé dans les mémoires.
De la complexité intellectuelle et formelle de ce film noir, les frères Coen sauront aussi s’éloigner pour donner naissance à une comédie décontractée, portée par un personnage qui, à l’inverse, refuse toute forme de complication.
The Big Lebowski” : le culte du Dude
“The Big Lebowski” est sans doute le film le plus singulier de la carrière des Coen, une œuvre qui a transcendé son statut de simple comédie pour devenir un véritable phénomène culturel. Porté par une galerie de personnages hauts en couleur, le film est une odyssée picaresque et nonchalante dans un Los Angeles fantasmé. Son personnage principal, surnommé “le Dude”, est devenu une icône de la contre-culture.
La naissance d’une icône
Le protagoniste est un anti-héros par excellence : un chômeur paresseux, amateur de bowling, de tapis et de cocktails. Suite à un quiproquo, il se retrouve embarqué dans une histoire de kidnapping abracadabrante qui le dépasse complètement. Sa philosophie de vie, basée sur le laisser-aller, et son flegme à toute épreuve en ont fait un personnage culte pour des générations de spectateurs. L’interprétation magistrale de l’acteur principal a grandement contribué à forger cette légende.
Une galerie de personnages excentriques
Autour du Dude gravite une série de personnages secondaires inoubliables, chacun plus déjanté que le précédent.
- Son meilleur ami, un vétéran du Viêt Nam colérique et paranoïaque.
- Un autre partenaire de bowling, simple d’esprit et touchant.
- Une artiste féministe avant-gardiste.
- Un millionnaire en fauteuil roulant.
C’est cette faune improbable qui fait tout le sel du film. Chaque dialogue est une pépite d’humour absurde et de répliques devenues cultes. Le film est moins une histoire qu’une succession de scènes mémorables, une déambulation hédoniste et souvent hilarante.
Après avoir atteint un sommet de la comédie “cool”, les réalisateurs prouveront qu’ils peuvent également exceller dans le registre opposé, en signant un thriller d’une noirceur et d’une rigueur implacables.
No country for old men” : la perfection récompensée
Avec “No country for old men”, les frères Coen signent un film d’une perfection glaçante, un western moderne et crépusculaire qui renoue avec la violence sèche de leurs débuts. Adapté d’un roman, le film est une poursuite impitoyable et mutique dans les paysages désertiques du Texas. C’est une œuvre radicale, épurée, qui a valu au duo une reconnaissance critique et publique massive, couronnée par une pluie de récompenses.
Un suspense à couper le souffle
Le film suit un homme qui tombe sur une mallette remplie d’argent sur les lieux d’un massacre. Il est alors pris en chasse par un tueur psychopathe, figure du mal absolu, implacable et inarrêtable. La mise en scène est d’une maîtrise totale, créant une tension quasi insoutenable. Les cinéastes utilisent le silence comme peu savent le faire, chaque bruit devenant une menace potentielle. Les scènes de confrontation sont des modèles de découpage et de suspense, laissant le spectateur sans voix.
La consécration critique
Le succès du film fut retentissant, marquant une étape clé dans leur carrière, au même titre que la reconnaissance obtenue au Festival de Cannes pour “Barton Fink” des années plus tôt. “No country for old men” a été unanimement salué pour sa rigueur formelle et sa noirceur radicale.
Principales récompenses majeures
| Cérémonie | Prix remportés |
|---|---|
| Oscars | Meilleur film, Meilleur réalisateur, Meilleur scénario adapté |
| Golden Globes | Meilleur scénario |
| BAFTA Awards | Meilleur réalisateur, Meilleure photographie |
Cette consécration a définitivement assis leur statut de cinéastes majeurs du cinéma américain, capables de livrer des œuvres exigeantes et populaires.
Cette maîtrise de la mise en scène, si évidente dans ce film primé, était pourtant déjà palpable dès leur tout premier long-métrage, une œuvre fondatrice qui posait toutes les bases de leur cinéma à venir.
Sang pour sang” : les débuts magistraux des Coen
Premier film, premier coup de maître. “Sang pour sang” (“Blood simple” en version originale) est une entrée en matière fulgurante. Ce thriller néo-noir, réalisé avec un budget modeste, contient déjà en germe tous les éléments qui feront la signature des Coen : une intrigue machiavélique basée sur des quiproquos, un humour noir grinçant, des personnages cupides et stupides, et une mise en scène glacée et méticuleuse.
Les fondations du style Coen
L’histoire est celle d’un triangle amoureux qui tourne mal, menant à une spirale de violence et de paranoïa. Dès cette première œuvre, on retrouve leur fascination pour les personnages ordinaires dépassés par des situations extraordinaires qu’ils ont eux-mêmes provoquées. La mécanique du scénario est implacable, chaque décision des protagonistes les enfonçant un peu plus dans un engrenage mortel. C’est un exercice de style brillant qui annonce déjà la couleur de leur filmographie.
Une inventivité visuelle éblouissante
Malgré des moyens limités, les réalisateurs font preuve d’une inventivité visuelle sidérante. Chaque plan est pensé, composé avec une précision millimétrique. Ils expérimentent avec la lumière, les angles de caméra et le son pour créer une atmosphère étouffante et anxiogène. La mise en scène n’est pas seulement illustrative, elle est un personnage à part entière, manipulant le spectateur et jouant avec ses nerfs. “Sang pour sang” est la preuve que le talent n’attend pas le nombre des années ni l’épaisseur du budget.
Si leurs débuts ont été marqués par la noirceur du thriller, les cinéastes ont rapidement montré une autre facette de leur talent, explorant avec tout autant de brio le registre de la comédie pure, souvent avec une énergie débridée.
La comédie selon les Coen : de “O’Brother” à “Arizona junior”
La filmographie des frères Coen ne serait pas ce qu’elle est sans sa large part de comédies, un genre qu’ils ont exploré sous toutes ses formes, de la satire politique (“Burn after reading”) à la comédie romantique (“Intolérable cruauté”), en passant par le film de braquage burlesque (“Ladykillers”). Deux œuvres en particulier illustrent leur approche unique de l’humour : la comédie cartoonesque “Arizona junior” et la joyeuse odyssée musicale “O’Brother”.
L’énergie burlesque et survoltée
“Arizona junior” est une comédie frénétique et inventive, portée par des performances d’acteurs remarquables. Le film, qui raconte l’histoire d’un couple stérile kidnappant un bébé, adopte un rythme effréné et un style visuel proche du dessin animé. Les courses-poursuites sont épiques, les personnages secondaires excentriques et la mise en scène regorge d’idées visuelles. C’est une œuvre pleine de tendresse pour ses personnages de marginaux, un concentré d’énergie pure et de folie douce.
La joie de la comédie musicale
Avec “O’Brother”, le duo s’aventure sur le terrain de la comédie musicale avec une grande joie communicative. Librement inspiré de l’Odyssée d’Homère et transposé dans le Mississippi des années 1930, le film est un road-movie potache et ensoleillé. La bande originale, composée de blues, de folk et de gospel, est devenue un immense succès et joue un rôle central dans le récit. C’est un film généreux, drôle et profondément attachant, qui contraste avec la perfection parfois froide d’autres de leurs œuvres, comme le plus décevant “Le Grand saut”.
La filmographie des frères Coen est un voyage à travers les genres du cinéma américain, revisités avec une intelligence et une ironie constantes. De la noirceur de “No country for old men” à l’absurdité culte de “The Big Lebowski”, en passant par la maîtrise formelle de “Miller’s crossing” ou l’humanité de “Fargo”, leur œuvre se distingue par sa cohérence et sa richesse. Chaque film, qu’il soit un drame glacial ou une comédie débridée, porte la marque indélébile de deux des plus grands auteurs du cinéma contemporain.
